El artista David Hockney, cuyas pinturas de piscinas brillando bajo el sol de Los Ángeles se convirtieron en íconos del arte del siglo XX, falleció el jueves, según informó su publicista. Tenía 88 años.
Hockney nació en el norte de Inglaterra pero vivió gran parte de su vida en el sur de California, convirtiendo sus vistas suburbanas bañadas por el sol en un motivo principal.
Más tarde en su vida regresó a Europa, encontrando inspiración renovada en las colinas boscosas de su condado natal de Yorkshire y los campos y árboles de la región de Normandía, en Francia. Se convirtió en uno de los artistas más preciados del Reino Unido, con sus obras alcanzando precios récord en subastas.
El historiador Simon Schama dijo que “la popularidad y durabilidad del arte de David Hockney, a través de todos sus cambios de forma y experimentos incansablemente inventivos, realmente no son un misterio”.
“Su obra es admirada —amada no es una palabra demasiado fuerte— por los millones que, en todo el mundo, acuden a verla porque presupone una expectativa de placer”, escribió Schama en un ensayo que acompañó una exposición de Hockney en 2025 en París.
La publicista de Hockney, Erica Bolton, dijo que murió pocas semanas antes de cumplir 89 años.
Con sus características gafas redondas y cabello rubio decolorado, Hockney era una figura conocida en los vibrantes escenarios artísticos británico y estadounidense de los años 60, incluso antes de cumplir 30 años. Sus pinturas eran igualmente distintivas, muchas de ellas creando un mundo onírico de luz estampada rebotando en el agua y las ventanas, y formas humanas representadas en formas planas y simplificadas en pintura acrílica mate.
“Estoy emocionado cada día”, dijo al Los Ángeles Times en 1979. “Londres tiene muchas partes sombrías, pero nunca encuentro nada sombrío en Los Ángeles”.
**Primeros años e influencias de Hockney**
Hockney nació el 9 de julio de 1937 en Bradford, una gran ciudad industrial cuya principal exportación eran los textiles de lana. Pasó sus primeras dos décadas allí antes de ir al Royal College of Art de Londres. Causó impacto incluso antes de graduarse, y el marchante de arte John Kasmin lo incorporó a su grupo de artistas en 1961.
Sus influencias artísticas abarcaron desde retratistas renacentistas hasta el pintor paisajista inglés del siglo XIX J.M.W. Turner, los experimentos de Pablo Picasso en el cubismo y el arte pop estadounidense del siglo XX.
Al visitar Estados Unidos en 1963-64, Hockney llamó la atención con su actualización de “A Rake’s Progress”, la serie de pinturas del artista del siglo XVIII William Hogarth que cuenta la historia de las aventuras y la caída final de un libertino adinerado. The New York Times dijo en 1964 que Hockney “actualiza a Hogarth con venganza y ofrece un buen ejemplo de cómo los artistas más jóvenes gustan de combinar texto e imagen en beneficio mutuo”.
**’Solo un artista ordinario’**
Compartió con otros artistas pop un interés en la superficie pulida de la vida moderna. Y, como Andy Warhol con sus cajas de Brillo y latas de sopa Campbell, Hockney ocasionalmente incorporó etiquetas publicitarias, como una caja de té Typhoo británica utilizada en su “Tea Painting in an Illusionistic Style” de 1961.
Dijo a The New York Times en 1964 que disfrutaba de la floreciente escena del arte pop en Nueva York pero no estaba seguro de ser parte de ella.
“Soy solo un artista ordinario”, dijo. “Admiro el pop estadounidense; de hecho, parece que todo lo fresco y vital en Inglaterra hoy en día ha estado viniendo de EE. UU.” No obstante, todavía se consideraba “muy un artista en la tradición inglesa”, dijo en 1995.
Incluso su mudanza a California tenía un precedente histórico, señaló, ya que generaciones anteriores de artistas ingleses habían buscado la luz brillante de Italia.
Como hombre abiertamente gay, Hockney exploró temas eróticos, dando a los cuerpos masculinos jóvenes el mismo escrutinio tierno que los artistas habían estado dando al desnudo femenino durante siglos. Amigos y amantes frecuentemente posaron como modelos, y algunas imágenes se basaron en fotos de revistas de culturismo masculino.
Obras tempranas como “We Two Boys Together Clinging” y “Two Men in a Shower” celebraban las relaciones homosexuales cuando la homosexualidad aún era ilegal en Gran Bretaña.
Al principio de su carrera, dos de sus dibujos fueron comprados para el Museo de Arte Moderno de Nueva York.
“En el momento en que vendí mis primeros cuadros para ganarme la vida, me sentí rico. He sido rico desde entonces”, dijo a The Associated Press en 1995. “No tenía mucho dinero pero hacía lo que quería… Eres un hombre rico si haces las cosas que quieres hacer”.
Esa libertad le trajo a Hockney reconocimiento y riqueza, con sus obras alcanzando sumas récord. En 2018, su pintura de 1972 “Portrait of an Artist (Pool with Two Figures)” se vendió en una subasta de Christie’s por $90.3 millones, en ese momento un récord para un artista vivo. En febrero de 2020, otra pintura de piscina, “The Splash”, de 1966, se vendió en Sotheby’s por 23.1 millones de libras ($30 millones).
Aunque las pinturas de piscinas eran una marca registrada de Hockney, también pintó literalmente una piscina cuando decoró el fondo de la piscina del histórico Hollywood Roosevelt Hotel en Los Ángeles.
Si bien muchas de sus pinturas más conocidas tenían escenas estadounidenses, también abordó temas británicos. Inmortalizó a sus padres en varios retratos. “Mr. and Mrs. Clark and Percy”, un retrato doble de 1971 de dos de sus amigos ingleses y su gato, fue clasificado como el No. 5 en una encuesta en línea de 2005 de BBC Radio-National Gallery (Londres) de las mejores pinturas en Gran Bretaña. Fue la única obra de un pintor vivo en el top 10.
Como muchos artistas tradicionales, consideraba el dibujo una habilidad fundamental y lamentaba que no se enseñara tan rigurosamente como antes.
“Los seres humanos son las cosas más interesantes que vemos, así que son los más difíciles de dibujar”, dijo en una entrevista de 1996 con AP, añadiendo que los mejores dibujos se hacen cuando hay empatía entre el artista y el sujeto.
**Su trabajo fue más allá del dibujo y la pintura**
No se limitó al dibujo y la pintura, sin embargo. Contribuyó con diseños de vestuario y escenografía para teatro y ópera, incluyendo una célebre producción de “Tristan und Isolde” estrenada en 1987 en la Ópera de Los Ángeles.
Siempre innovador, Hockney abrazó el dibujo, la pintura, el grabado, el fotomontaje y el video en una carrera de siete décadas.
Cuando se dedicó a la fotografía, fusionó géneros, ensamblando fotos individuales en elaborados collages como “Pearblossom Highway, 11-18th April, 1986”, construido a partir de vistas individuales de una intersección de carretera desértica.
“Mis amigos fotógrafos dijeron que era una pintura”, dijo Hockney a AP en 2001. “Yo dije que es una fotografía; usé una cámara”.
La percepción que obtuvo de su trabajo fotográfico lo llevó a investigar y escribir un libro en 2001, “Secret Knowledge: Rediscovering the Lost Techniques of the Old Masters”. Argumentó que a través de los siglos, los artistas usaron lentes y otros dispositivos ópticos para ayudarse en el dibujo mucho más de lo que la mayoría de los historiadores creen.
Más tarde comenzó a dibujar en iPads, que se convirtieron en su herramienta favorita.
A principios de los años 2000, miró de nuevo los campos y bosques de Yorkshire en una serie de exuberantes pinturas paisajísticas que combinaban colores audaces con una atención minuciosa a la textura de la nieve en una ladera o una flor en un seto de espino. Fueron presentadas en una exposición de 2017 en la Tate Britain de Londres que fue visitada por medio millón de personas y se trasladó al Centro Pompidou de París y al Museo Metropolitano de Nueva York.
Hockney usó el paisaje inglés como inspiración para su diseño de una vidriera en la Abadía de Westminster para celebrar el largo reinado de la Reina Isabel II. Completada en 2018, la Queen’s Window representa un paisaje de espinos en flor en tonos de azul, verde, amarillo, naranja, rosa y rojo.
**’No pueden cancelar la primavera’**
Para entonces, Hockney era ampliamente considerado el mejor artista vivo de Gran Bretaña, y un tesoro nacional. En 1997, la reina lo nombró Compañero de Honor, un premio limitado a 65 personas “de distinción”.
En 2019, se mudó a Normandía, Francia, donde durante el confinamiento por coronavirus de 2020 produjo alegres dibujos en iPad de la primavera para sus amigos. Su mensaje —”Recuerden que no pueden cancelar la primavera”— fue plasmado en neón en la Fondation Louis Vuitton de París cuando acogió una gran exposición de Hockney que se inauguró en abril de 2025.
La muestra abarcó desde la primera pintura que vendió —un retrato de 1955 de su padre— pasando por piscinas de Los Ángeles hasta bosques de Yorkshire, retratos de amigos, diseños escénicos para ópera y docenas de imágenes de la exuberante llegada de la primavera en Normandía.
El curador de arte Norman Rosenthal, quien ayudó a organizar la exposición de París, llamó a Hockney “el Picasso de nuestros tiempos”.
“Cuando digo eso, la gente se ríe de mí, ya que Picasso fue el artista arquetípico del siglo XX”, dijo Rosenthal al periódico Independent. “Pero David Hockney también es un artista increíblemente popular cuyo trabajo cambia la forma en que vemos las cosas”.
Fumador empedernido que criticaba las reglas gubernamentales contra el tabaquismo, Hockney se quejó cuando un cartel para la exposición de 2025 fue prohibido en el Metro de París porque lo mostraba sosteniendo un cigarrillo.
Hockney sufrió un derrame cerebral menor en 2012 y estaba cada vez más sordo en sus últimos años —algo que dijo había mejorado su percepción visual.
“Si pierdes un sentido, ganas otros sentidos, y siento que podía ver el espacio más claro”, dijo a AP en 2017.
Nunca dejó de trabajar.
“Es mi trabajo lo que me mantiene joven”, dijo Hockney al periódico Sun en 2017. “He sido pintor profesional durante 60 años. Sesenta años de levantarme cada día y hacer exactamente lo que quiero hacer”.
**REDACCIÓN FV MEDIOS**